Ars Electronica Chronicles, Bits and Pieces

Back home. Looking at my ToDo List I did not even see half of what I wanted to see or talked to half of the people I wanted to talk with … Always this same ambiguous feeling since the festival mostly takes place at POST City : what am I looking at ? Is it good that it has become this big supermarket offering a whole range of things or is it bad that it does not always provide the artworks and projects the caring conditions for a deep encounter with the audience ?

According to some of my friends that lives in the United States of America, Ars Electronica is mind blowing and there is not such an event there showing so much good things in this field. Am I a spoiled child then ? I still believe that sometimes less is more but as we could go forever trying to decide if the glass is half empty or half full, let’s forget the rambling and go with some bits and pieces that made their ways to my cognitive emotional sytem.

The following is not a true art critic or an art analysis, and I am not sure it is a real blog post either, but it is a bit more than just plain pictures without legends.

 

We Should Take Nothing for Granted – Soft Probe, Matthew Biederman and Marko Peljhan

"We Should Take Nothing for Granted - Soft Probe", Matthew Biederman and Marko Peljhan, image Annick Bureaud

« We Should Take Nothing for Granted – Soft Probe », Matthew Biederman and Marko Peljhan, image Annick Bureaud

A black box is standing in the middle of the room. On top of it, on a left screen, Dwight Eisenhower is delivering his presidential farewell address of 1961 stating that “an alert and knowledgeable citizenry can compel the proper meshing of the huge industrial and military machinery of defense with our peaceful methods and goals.” The right screen displays various data and activities. Eisenhower’s message serves as a point of departure for a set of systemic activities in the fields of communications security, data aggregation, analysis and display.

In between what I could label a neo military and post constructivist aesthetics, with a cold and authoritarian aspect, the piece is in total coherence with its content. And even more so, when one gets a text message from the machine.

"Soft Probe", Biederman & Peljhan, image Annick Bureaud

« Soft Probe », Biederman & Peljhan, image Annick Bureaud

 

CellF, Guy Ben-Ary with designer and new media artist Nathan Thompson,  electrical engineer and synthesiser builder Dr. Andrew Fitch,  musician Dr. Darren Moore, Stem cell scientist Dr. Michael Edel, Neuro-scientist Dr. Stuart Hodgetts, and Neuro-Engineer Dr. Douglas Bakkum (2015)

"CellF", Guy Ben-Ary and all., Lucas Abela performing, image Annick Bureaud

« CellF », Guy Ben-Ary and all., Lucas Abela performing, image Annick Bureaud

Guy Ben-Ary has been working since the early 2000 on the question of the emergence of cognition, thought and creativity. Fish and Chips, that was also exhibited at Ars Electronica in 2001, was the first one of a series of works.

CellF is the most recent creation by Ben Ary. Skin cells from the artist were transformed into brain cells, building an active neural network. This “external brain” is given a “body” made of analog synthesizers (no computers here) and alluding to the history of music and sound in its shape. In a kind of jam session, this biocybernetic double of Ben Ary “plays” with musicians, reacting to their music.

After years of lab incubator aesthetics, CellF is bringing an elegant, coherent and thought through alternative to showing alive bioart without going into the crude anthropomorphic cyborg seductive bodies.

The performance I saw was with Lucas Abela playing with glass slab.

 

Ad Lib., Michele Spanghero

"Ad Lib.", Michele Spanghero, image Annick Bureaud

« Ad Lib. », Michele Spanghero, image Annick Bureaud

Some organ pipes have been selected and mounted on a wooden stand. They are playing a fragment of music referencing Johannes Brahms German Requiem.

The breath allowing the pipes to play is provided by a medical artificial breathing machine that, when we come closer, we can hear.

This is a very simple and very powerful work that would need a longer comment.

 

VideoSculpture XXII (Everything Now is Measured by After), Emmanuel Van der Auwera, 2016

"VideoSculpture XXII (Everything Now is Measured by After)", Emmanuel Van der Auwera, 2016, image Annick Bureaud

« VideoSculpture XXII (Everything Now is Measured by After) », Emmanuel Van der Auwera, 2016, image Annick Bureaud

Set up on three different walls, three big screens for commercial display are showing nothing but white light. In the middle of the space that they delineate are positioned small polarized sheets of various sizes. When looking through them toward the commercial screens one can see videos of war bombing and destructions, the images having the same aspect as the ones produced by military cameras and devices or satellites.

What at first sight was looking like « another media art installation » became as a sort of metaphoric minefield where the poles supporting the small screens were landmarks for the danger.

"VideoSculpture XXII (Everything Now is Measured by After)", Emmanuel Van der Auwera, 2016, image Annick Bureaud

« VideoSculpture XXII (Everything Now is Measured by After) », Emmanuel Van der Auwera, 2016, image Annick Bureaud

 

Inner Telescope, Eduardo Kac, 2017

"Inner Telescope", Eduardo Kac, image courtesy the artist

« Inner Telescope », Eduardo Kac, image courtesy the artist

Inner Telescope is a space poem, specially conceived for zero gravity, and created by Eduardo Kac in collaboration with French astronaut Thomas Pesquet during his stay in the International Space Station. This one was of course not new to me but always a deep pleasure to see.

The exhibition showed quite a lot of sound works among which (Un)Measurements by Gil Delindro in which prepared microphones are rotating and « reading » a dead tree.

"(Un)Measurements" by Gil Delindro, image Annick Bureaud

« (Un)Measurements » by Gil Delindro, image Annick Bureaud

Under the title of « Artificial Intimacy » and the excuse of the potentiality and possibilities of artificial intelligence robotic companions was exhibited a whole range of new porn and more or less autonomous sex objects. I did not ask if you could beat and slam the female doll without destroying the mechanism … One interesting idea was to train an AI to make new porn movies from existing ones. Unemployment might be raising soon here too (no pun intended!).

On the light side, I loved the 3D-printed organic-like robots of Ready to Crawl, by Hiroshi Sugihara and Shunji Yamanaka from the Prototyping & Design Laboratory, University of Tokyo. Somehow, they looked like Karl Sims digital creatures made true. They look nice, soft and are fun to play with.

Ready to Crawl, by Hiroshi Sugihara and Shunji Yamanaka, image Annick Bureaud

Ready to Crawl, by Hiroshi Sugihara and Shunji Yamanaka, image Annick Bureaud

 

And of course, I loved the music performance by the Japanese group playing … fans! … of which I have zero good image …

 

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Ars Electronica Chronicles, FEAT@Ars

Ars Electronica has also been the platform for several projects conducted by different organisations to be presented and discussed. It has been very exciting to have the FEAT project, now completed, on stage at Ars, a year after our kick off session there.

A discussion was organised and moderated by Lucas Evers (Waag Society) and Erich Prem (Eutema) in two panels.

The first one with the artists Anna Dumitriu, Evelina Domnitch and Dmitry Gelfand and the art-science researcher Claudia Schnugg dealt with what had happened during the residencies.

FEAT panel at Ars Electronica, image Annick Bureaud

FEAT panel at Ars Electronica, image Annick Bureaud

 

The second panel with the artists Anna Dumitriu, Špela Petrič and Miha Turšič, the professor of media theory Ingeborg Reichle and the professor of philosophie of media and technology Mark Coeckelbergh addressed the question of the future of art-science collaboration programmes.

FEAT Panel at Ars Electronica, image Annick Bureaud

FEAT Panel at Ars Electronica, image Annick Bureaud

 

Among the many things that were discussed, it was underlined that artists need to build a trust relation with the scientists based on showing that they know what they are talking about. If this is relatively easy with experienced artists it may be more difficult for younger artists or artists with less scientific knowledge.

It was also stressed upon that in art-science collaborations, we should not forget humanities (and, if I may add, humanities can be science too).

Funding mechanisms and the necessity for new institutions that should emerge beyond the existing art and scientific organisations were heavily discussed.

Two questions were dear to my heart as they are rarely expressed. The first one was raised by a member of the audience: what about aesthetics, which is the artist expertise. Beyond the « freedom » brought to the scientists by the artists, does this skill brings something into the collaboration? The second is where and how do you exhibit the artworks coming from those art-science collaborations.

Beyond those panels, several artists from the FEAT project were exhibiting at Ars Electronica. Anna Dumitriu was showing Make Do and Mend: Controlled Commodity, one of the two works she created during her FEAT residency.

"Make Do and Mend: Controlled Commodity", Anna Dumitriu, 2017, image courtesy of the artist

« Make Do and Mend: Controlled Commodity », Anna Dumitriu, 2017, image courtesy of the artist

 

With Roland van Dierendonck, Günter Seyfried and Slavko Glamočanin, Špela Petrič and Miha Turšič presented « Semiotics of the Laboratory », a spin off of their FEAT residency developped for the Waag Society in the Ars Electronica biolab.

"Semiotics of the Laboratory", Roland van Dierendonck, Günter Seyfried,  Špela Petrič, Miha Turšič and Slavko Glamočanin, 2017, image Annick Bureaud

« Semiotics of the Laboratory », Roland van Dierendonck, Günter Seyfried, Špela Petrič, Miha Turšič and Slavko Glamočanin, 2017, image Annick Bureaud

 

Evelina Domnitch and Dmitry Gelfand were also exhibiting a new work, Luminiferous Drift, created in another partnership this time with Jean-Marc Chomaz (LadHyx, Ecole Polytechnique), Erik Werner (Hui Lab, University of California Irvine).

All the artworks created within the FEAT residency programme are exhibited from September 14th to 30th in BOZAR in Bruxelles.

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Ars Electronica Chronicles, « LightScale II »

"LightScale II", Uwe Rieger, St. Mary Cathedral, Linz, Ars Electronica 2017, image Annick Bureaud

« LightScale II », Uwe Rieger, St. Mary Cathedral, Linz, Ars Electronica 2017, image Annick Bureaud

The Cathedral St. Mary in Linz is said to be the biggest Cathedral in Austria. The huge nave is the host of LightScale II, a kinetic light and sound sculpture-installation by Uwe Rieger.

Gently moving according to the impulses given by the audience, the mesh-sculpture supporting the projections appears as a alien peaceful creature trying to enter in communication with us through a sound composition that resembles whale songs. It is a beautiful, calming and a bit melancolic work that invites to stop and listen, to it, but also, may be to each other.

 

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Ars Electronica Chronicles, Side Walks

The core of the festival takes place in the former post office building where the paquets and the mail were sorted (tri postal). It is a huge concrete building, extremely human-unfriendly, but with a stunning architecture. The following pictures are from the Ars Electronica Gallery Spaces, which is the art fair or art marekt new section « staged in response to growing mutual interest on the part of media artists, collectors and galleries ».

POST City, next to the Gallery Spaces

POST City, next to the Gallery Spaces

 

POST City, next to the Gallery Spaces

POST City, next to the Gallery Spaces

 

POST City, next to the Gallery Spaces

POST City, next to the Gallery Spaces

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Ars Electronica Chronicles, Art-Science goes contemporary art

Ars Electronica 2017 is not big, it is massive. Now I understand why people just post pictures : although I had made a strict selection in the threads I wanted to follow, it is impossible not only to see everything but to make some kind of overall analysis.

So, let’s go with fragments.

Gluon Session : Art-Science goes contemporary art

The Belgium Gluon Foundation is proposing a « new model for cooperation among artists, scientists and art collectors » by reversing the process and « having scientists in residence in the ateliers of top-name artists ».

Gluon organised a panel with Hans Ulrich Obrist, Paul Dujardin from Bozar in Bruxelles and the artists, which remained a bit basic in the thinking about art-science.

Hans-Ulrich Obrist and Gerfried Stocker during the Gluon Session at Ars Electronica 2017. Image Annick Bureaud

Hans-Ulrich Obrist and Gerfried Stocker during the Gluon Session at Ars Electronica 2017. Image Annick Bureaud

The selection of the artists is a curatorial decision, which is fine. I could not figure out how the scientists were selected. Apparently, the « matching » process during which the artists and scientists were paired was done here at Ars Electronica, and it seems it followed the FEAT model in which the scientists « pitch » their research field to the artists that then « pick up » with whom they want to collaborate.

How does an « artist atelier » looks like nowaday ? Some artists still have studios but many others just need a room with a computer and others definitively need a professional research lab. This question was raised during the panel and left open for the moment.

In the booth presenting their project in the exhibition, Gluon referenced the « historical » projects such as CAVS and LACMA, but nothing since the « good old days ».

 

Gluon space at Ars Electronica Exhibition.

Gluon space at Ars Electronica Exhibition.

I hope to learn more when I get the brochure Gluon published about the projec

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Ars Electronica Chronicles: Digging into a 84-page programme

Ars Electronica 2017 Poster

Ars Electronica 2017 Poster

Preparing for Ars Electronica means checking the programme to select what I would like not to miss, knowing that, once in Linz, I’ll go with the flow, unexpected discoveries, excitement, tiredness and encounter of people.

According to the organisers, as the very first line of the programme brochure, What we are experiencing at present can very justifiably be termed the Cambrian Explosion of Digitization […] followed a few sentences later by Mirroring this Cambrian explosion of digital development is the explosive growth of the program lined up for the 38th year of Ars Electronica’s activities.

Growth it is! And if the festival has a main theme —Artificial Intelligence—, it also deploys sub-threads and sub-sub-threads.

What is sure is that it has become a collection, or a juxtaposition, of various projects and topics. It seems to have succeeded in reaching the level of the ‘Majors’ —Munster, Cassel, Venice, but instead of the national pavillons and the private collections venues of the laguna, here we have organisations (ex: MIT Media lab), programmes (ex: STARTS) and formats (exhibitions, workshops, tutorials, conferences, panels, concerts, fair, and much much more).

Shoes will be a crucial item!

Don’t miss the FEAT panel on Saturday 9th at 3 pm on the FIS stage of the POST-City.

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« The Smell of the Fig Tree », Korčula Grey) (Area Residency, July 2017

Robertina Sebjanič, Darko Fritz, underwater sound recording, Korčula, July 2017

Robertina Sebjanič, Darko Fritz, underwater sound recording, Korčula, July 2017

July 20-28, I have done a residency at Grey) (Area in Korčula, together with Robertina Sebjanič, invited by Darko Fritz.

Find here a compilation-selection of my notes, visual and written, from that week: The Smell of the Fig Tree.

During that week, together with Robertina Sebjanič, playing from her Aquatocene recordings and Manja Ristić improvising with her violin and home made instruments, we gave a lecture-performance of the story The Jellyfish and the Moon, written by Fabienne Gambrelle and illustrated by Anaïs Tondeur and Gabriel Grandry.

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The Jellyfish goes to Korčula

It is happening Wednesday July 26th, at 9 pm at Duke’s Passage in Korčula City.

"La méduse de la Lune", par Fabienne Gambrelle ; illustrations Anaïs Tondeur & Gabriel Grandry

« La méduse de la Lune », par Fabienne Gambrelle ; illustrations Anaïs Tondeur & Gabriel Grandry

 

In the framework of my joint residency « Underwater: Escaping (sound) Pollution » with Robertina Šebjanič at Siva Zona / gray) (area, the art gallery directed and curated by Darko Fritz, I shall tell the story of The Jellyfish and the Moon, written by Fabienne Gambrelle and illustrated by Anaïs Tondeur and Gabriel Grandry with music acompaniment by Robertina Šebjanič and Manja Ristić. Meant as a children book, the Jellyfish and the Moon is a contemporary tale of a jellyfish trying to avoid the (sound) pollution and disturbance generated by tourism by escaping to the Moon where she dreams for a better world.

Robertina Šebjanič will then perform Aquatocene in which the sound of the underwater pollution is at the core of the sound compositions. She will be joined by Manja Ristić, a violinist who plays the violin as an all-encompassing sound facility with a poetic sonic range of unconventional sound creation possibilities.

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d’ISEA à Orange Gardens, juin, le mois des conférences

Juin 2017 a été le « mois des conférences » pour moi. L’occasion d’afficher les sempiternelles photos d’une personne (moi) avec un micro, derrière un ordinateur … Pour changer, j’ai décidé d’y ajouter une diapo, au hasard (ou quasi) de chacune des présentations.

Nous avons donc eu, dans l’ordre d’apparition :

Présentation institutionnelle de Leonardo/Olats à ISEA, Manizales, Colombie.

A.Bureaud, ISEA 2017 (photo Danielle Siembieda)

A.Bureaud, ISEA 2017 (photo Danielle Siembieda)

J’ai bien sûr présenté nos activités, dont l’implication de l’association dans les projets « Trust Me, I’m An Artist » et « FEAT » et j’ai essayé d’y soulever quelques questions qui actuellement me tiennent à cœur. La première est le choix cornélien qu’ont à faire tous ceux dont le pays n’a pas l’anglais comme langue officielle : faut-il écrire —en anglais— pour ses pairs et avoir une audience internationale ou pour son environnement et son public dans sa langue maternelle ? Outre la perte d’un public, ne va t-on pas vers une perte de la biodiversité culturelle et un appauvrissement de la pensée par une normalisation dans un pidgin international ? La deuxième question est celle d’un changement de notre rôle en tant qu’acteur culturel. Pendant des années nous avons eu comme mot d’ordre à Leonardo de « rendre visible les signaux faibles », c’est-à-dire d’identifier et de soutenir des artistes et des tendances émergentes. A l’heure des réseaux sociaux et de la sur-communication, on peut se demander s’il existe encore des signaux faibles, toute chose étant communiquée quasi avant même d’avoir existée. En revanche, la durée de vie d’une information ou d’un projet devient de plus en plus brève et la mémoire de plus en plus courte. Dans ce contexte, notre rôle deviendrait plutôt de « sauver du flux et du bruit » et d’aider les artistes à s’inscrire dans la durée au-delà des tendances marketing et du buzzing.

ISEA-Leonardo-Olats

 

 

- Communication « Where is Art and Where is Science in Art-Science », keynote à ISEA Manizales, Colombie

A.Bureaud, Keynote ISEA 2017 (photo Gilberto Prado)

A.Bureaud, Keynote ISEA 2017 (photo Gilberto Prado)

Un peu contre la tendance à tout labelliser « art-science », à croire que la solution à tous nos maux réside dans cette rencontre, et surtout à inclure sous cette étiquette des choses extrêmement différentes, j’ai proposé une remise à plat des diverses composantes et au passage, j’ai plaidé pour une réhabilitation de l’illustration scientifique en en montrant les nouveaux modèles (dont la visualisation et la sonification ne sont qu’un des aspects). J’ai aussi évoqué le croisement des méthodologies (méthodologies scientifiques reprises par les artistes mais également l’importation de méthodologies artistiques dans les laboratoires, notamment à travers les exemples des œuvres de Jennifer Willet et Kira O’Reilly). J’ai mentionné, également, cette idée de « sortir les expériences du labo » qui est un sujet que j’aimerais travailler plus avant. J’ai aussi essayé de plaider pour un renouvellement d’un discours artistique et esthétique face aux discours de politique culturelle et à la parole théorique universitaire qui me semblent dominer les débats aujourd’hui et dans lequel l’art se dissout. Mais je ne suis pas sûre d’avoir fait passer ce message là (qui demande d’ailleurs de ma part d’être mieux exprimé et argumenté).

ISEA-Keynote

- « L’objet » d’art. Du ready-made au DIY, du post-internet à l’objet vivant : l’objet au-delà de l’objet, Art Factory, Orange Gardens

Dans le cadre de l’Art Factory et des résidences d’artistes mis en place par Orange en collaboration avec Décalab, j’ai fait une conférence dans le cycle associé à ce projet. Ce titre, terriblement long, peut se résumer à : les différents régimes de l’objet d’art aujourd’hui. Sur le schéma ci-joint, il manque une nouvelle catégorie qui est ce que j’appelle les « objets fétiches », objets complexes, souvent dans le champ art-science, dont la seule apparence ne permet pas d’en appréhender la richesse. Ils deviennent alors des supports, des intermédiaires, d’une narration, d’une histoire qui doit être déroulée, dépliée dans la relation avec le public.

A.Bureaud-Cartographie-Objets

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Des paillettes pour un saumon. Trust Me, I’m An Artist, journal de bord n°15

Leonardo/Olats est partenaire du projet européen Trust Me, I’m An Artist. Dans ce cadre, je tiens un « Journal de Bord » avec des compte-rendus des réunions et des rencontres, mais aussi mes réflexions, lectures et interrogations.

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Alex May)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Alex May)

En ce joli week end de mai, j’avais hâte que le Thalys arrive à Amsterdam. Un peu pour m’extraire de la bande de jeunes femmes bruyantes en virée entre copines qui occupaient le wagon ; beaucoup pour, enfin, « voir en vrai » une performance de Kira O’Reilly  associée à Jennifer Willet et me confronter à la question éthique qu’elles allaient poser et dont je ne savais pas grand-chose pour ne pas dire rien.

Cette session de Trust Me, I’m An Artist s’est apparenté à des poupées russes, emboîtant projets, actions et formats au sein d’une même soirée. Le principe de base de Trust Me, I’m An Artist est qu’un(e) artiste expose un projet soulevant des questions éthiques devant un comité d’éthique qui rend des recommandations. Afin d’éclairer le comité (et le public), il/elle le recontextualise au regard de ses créations antérieures. Parallèlement l’artiste présente une performance ou une installation, mais dans un autre espace-temps.

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Avec Be-wildering, Kira O’Reilly et Jennifer Willet ont combiné les divers éléments en un seul : la présentation devant le comité fut scénographiée comme une performance incluant une sorte de « trailer » (performance dans la performance) de ce que les artistes veulent faire et donc des projets soumis au comité d’éthique.

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Vêtue d’une longue robe à paillettes verte et portant une coiffe à plumes de la même couleur, Kira O’Reilly fit son apparition la première dans le Theatrum Anatomicum dans le bâtiment de la Waag, suivie par Jennifer Willet portant une blouse de laboratoire modifiée, rehaussée de dentelles et sertie de boules de verre comme autant de boîtes de pétri sphériques, évoquant les scientifiques des siècles passés, quand s’élaborait la science positiviste.

Tout en préparant les ingrédients pour la « performance dans la performance », les artistes ont déroulé leurs parcours, questionné les bases même de l’éthique et des comités d’éthique en science et en art et leur contingence, discuté cette notion de confiance qui constitue le titre même du projet.

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

 

 

 

 

 

 

 

 

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

 

 

 

 

 

 

 

 

Jennifer Willet fit un prélèvement sur le nez de Kira O’Reilly qu’elle recueillit dans l’une des sphères de son costume-blouse de laboratoire.

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Puis Kira O’Reilly disposa un tas de terre sur le parquet sur lequel elle déversa, dans une image saisissante, un flot scintillant de paillettes. Après avoir mélangé le tout, elle y déposa, cérémonieusement, le corps mort d’un saumon dont elle recouvrit les bords du ventre et la bouche de paillettes.

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

 

 

 

 

 

 

 

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud

 

 

 

 

 

 

 

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Les deux artistes exposèrent alors leurs projets à venir :

> Jennifer Willet entend porter, au Canada où elle réside, une blouse de laboratoire pendant un an, sans la laver, dans divers endroits —divers laboratoires, mais aussi au club de gym ou chez elle— avant de l’emporter en Finlande pour un projet commun avec Kira O’Reilly.

La blouse accumule ainsi les micro-organismes en opposition totale avec la règle de base qui veut qu’une blouse de laboratoire est faite … pour le laboratoire, ne peut en sortir qu’ayant été lavée et stérilisée. Ce faisant, Willet veut attirer l’attention sur le fait que les règles ne sont pas toujours respectées par ceux-là même qui les édictent (combien de personnes se « baladent » avec leur blouse hors des labos ou utilisent dans ceux-ci des objets non stériles à commencer par leur téléphone portable ?) mais également ouvrir la discussion sur les vecteurs de contamination.

> Kira O’Reilly va faire une performance fin mai avec un saumon, similaire à ce qu’elle fit dans le Theatrum Anatomicum, dans une forêt en Finlande. Elle souligne que la forêt est une forêt « aménagée », autant artificielle (a construct) qu’elle-même peut l’être dans son fourreau vert. Elle entend en outre recouvrir un arbre entier de paillettes, soulevant des questions de pollution aux matières plastiques.

Les deux artistes mettent à la question les règles de non contamination entre zones géographiques, la propagation d’espèces invasives, la notion même de nature sauvage et le rôle et la place de l’humain dans ces processus, son mode même d’existence.

La conclusion du comité d’éthique fut que les deux projets ne présentaient pas de risques majeurs mais que les artistes avaient fourni trop peu d’éléments pour permettre une évaluation correcte. Le comité se proposait donc de les accompagner dans leur mise en œuvre afin d’en limiter les risques tout en permettant leur réalisation.

Le comité d'éthique, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Le comité d’éthique, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Le comité nota que l’ensemble de la soirée avait été une mise en scène moqueuse et critique —mais brillante— des procédures, des méthodes et du déroulement d’une soumission normale de projet auprès d’un comité d’éthique.

Le titre du projet, « Be-wildering », du moins tel que je le comprends, est un jeu de langage entre « bewildering » qui signifie « déroutant », « déconcertant » et la référence à un « devenir sauvage », à une injonction à « ensauvager », à la transgression de l’affranchissement des règles, et à l’impossibilité même de l’existence d’un « sauvage ».

Si la performance aurait gagné à être un peu plus resserrée, déroutante, ou plus exactement troublante, elle le fut par son association d’images fortes et dialectiquement opposées : théâtralité de la mise en scène mais dialogues quasi à bâtons rompus entre artistes élaborant un projet commun et échangeant leurs idées ; ambiguïté sexuelle à travers les costumes ; présentations théoriques et intellectuelles formelles et actions artistiques ; artificialité des paillettes et (pseudo) naturalité de la terre et du saumon.

Be-wildering, Kira O'Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Be-wildering, Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Waag Society, Amsterdam, 12 mai 2017 (photo Annick Bureaud)

Restent les questions éthiques.

Je n’ai pas de compétences me permettant de juger du risque que prend ou que fait courir Jennifer Willet en trimballant sa blouse, de laboratoires en lieux privés ou publics. Je ne peux que raisonnablement penser qu’elle ne récoltera guère plus d’agents pathogènes dans les laboratoires auxquels elle aura accès qu’un voyageur dans le métro parisien aux heures de pointe.

Le saumon porté à travers un bois depuis l’escalier à saumons d’un barrage ou l’arbre recouvert de paillettes seront de toute évidence spectaculaires et saisissants mais seront-ils plus percutants, plus bouleversants que la performance que fit O’Reilly à l’intérieur, dans le Theatrum Anatomicum ? La question de la pollution dans la forêt apparaît comme quasi marginale puisque, de toute façon, même réalisée en intérieur, les paillettes utilisées rejoindront les égouts, il ne reste que celle d’aller « ennuyer » (une fois de plus) un arbre.

Dans les deux cas, la question, pour moi, est plutôt celle de la nécessité d’un autre type de « passage à l’acte » qui serait plus transgressif et éthiquement questionnable qu’une performance dans un lieu culturel clôt. La performance Be-wildering telle qu’elle s’est déroulée à Amsterdam incluait déjà ces actions-limites : Willet de facto, a commencé son projet en recueillant des échantillons dans les bulles de son costume. Comme les paillettes qui s’insinuent partout, qui collent à la peau, elles agissent comme des virus contaminateurs d’idées. « Ça » mature, « ça » évolue et « ça » questionne. Cela me suffirait. J’aurais aimé, en revanche, que fut discuté l’aspect géo-culturel de ces projets qui s’inscrivent dans une histoire artistique, culturelle, philosophique et théorique occidentale.

Comité d’éthique
Dr. Ellen ter Gast, biologiste, philosophe et enseignante ; Dr. Sabine Roeser, professeure d’éthique à l’Université de Technologie de Delft ; Dr. Toby Kiers, professeure d’Interactions Mutualistes au Département de Sciences Ecologiques, faculté des Sciences de la Vie et de la Terre à l’Université libre d’Amsterdam ; Chris Bisson, Directeur du développement du projet Eden et Karin Spaink, journaliste, auteure et féministe.
Le projet Trust Me, I’m an Artist est soutenu financièrement par le programme Creative Europe de l’Union Européenne.
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