« Absynth », HeHe (Helen Evans, Heiko Hansen), Jean-Marc Chomaz, Jean Philippe Renoult, Dinah Bird, 2018

"Absynth", HeHe (Helen Evans & Heiko Hansen) - Jean-Marc Chomaz - son Jean Philippe Renoult & Dinah Bird, 2018

« Absynth », HeHe (Helen Evans & Heiko Hansen) – Jean-Marc Chomaz – son Jean Philippe Renoult & Dinah Bird, 2018

Parc de La Villette un samedi après-midi de presque printemps : une foule joyeuse s’égaie sur les pelouses. Le WIP présente Absynth de HeHe, Jean-Marc Chomaz avec une création sonore de Jean Philippe Renoult et Dinah Bird dans le cadre de la Biennale d’arts numériques Nemo 2018.

Avant même de voir l’installation, ce qui saisi, passé le sas de l’entrée, c’est l’odeur. L’odeur des sapins. Mélange de l’odeur de la forêt dans laquelle on joue à s’égarer et de celle du salon, à Noël, quand l’épicéa commence à perdre ses aiguilles.

Puis on voit. Une forêt miniature. Des petits sapins, dont certains atteignent malgré tout une taille honorable, serrés les uns contre les autres, forment une forêt dense, obscure dans l’obscurité. Une forêt de conte de fées où peuvent se cacher toute sorte de créatures réelles et imaginaires. Les sapins sont d’un joli vert, vert sapin ma foi. C’est beau, apaisant. Mais subtilement le vert devient plus vert, plus brillant, jusqu’à être un vert acide, quasiment fluo. Un oiseau chante.

Cette forêt là est toxique. On pense inévitablement à Tchernobyl.

La pluie qui se met à tomber ne lave rien, ne purifie rien, pluie acide, pluie chimique, pluie toxique. Elle brille, artificielle, scintille comme autant de gouttes de poison.

Au-dessus des arbres, de puissantes lumières s’allument, ressemblant aux feux de positions d’un vaisseau extra terrestre, de la fumée s’insinue dans l’air, les gouttes de pluie semblent s’écouler à l’envers, remontant contre la gravité. Un oiseau chante.

Absynth se présente comme un diorama. Les dioramas, qu’ils fussent statiques ou animés dans une mini représentation théâtralisée comme celui-ci, connurent leur heure de gloire au 19ème siècle et au début du 20ème, notamment dans les musées d’histoire naturelle. Ils avaient pour vocation de présenter la nature et les êtres qui la peuplent « tels qu’ils étaient », notamment ces environnements lointains et exotiques auxquels le public n’avait pas accès. Absynth, à cet égard, s’inscrit bien dans la tradition des dioramas : la réalité de sa forêt est déjà là. Il pleut du poison et le dernier oiseau chante.

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What’s Art Got To Do With It?


Mon article « What’s Art Got To Do with It? Reflecting on Bioart and Ethics from the Experience of the Trust me, I’m An Artist Project », est paru dans Leonardo,Vol. 51, n°1, 2018, pp. 85-86 ainsi que celui d’Anna Dumitriu « Trust Me, I’m An Artist: Building Opportunities for Art and Science Collaboration Through an Understanding of Ethics ».

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Un autre tour de carrousel cosmique / One more tour on the cosmic merry-go-round


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Art, Science, Technologie. Fragments d’un parcours colombien

art press, n°451, janvier 2018

art press, n°451, janvier 2018

Mon article sur ISEA et la création art-science-technologie en Colombie est paru dans le numéro 451 de janvier 2018 d’art press, assorti d’une traduction en anglais.

Joli cadeau de fin d’année (ISEA ayant eu lieu en … juin 2017 !). Mais pourquoi diable la rédaction a t-elle jugé utile d’y adjoindre un tel chapo (sans parler des inter-titres) ?

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Perceiving, Feeling, Interpreting, Storytelling: The Art of Art-Science


April 2017, at the LifeSpace Science Art Research Gallery of the School of Life Sciences at the University of Dundee, the artworks created during the FEAT project were exhibited for the first time. FEAT stands for ‘Future Emerging Art and Technology’. It was an EU funded project during which artists were in residence over 9 months in FET/Future Emerging Technology consortia, FET being one of the cutting-edge scientific research programmes of the European Union. A lot has been writen about the art-science relation in this project, how the presence of artists in research labs could provide a new perspective to the research being conducted; a lot has been writen about the sciences that those works are incorporating. Here, I would like to focus on their aesthetics, on their relations to different approaches and trends in contemporary art, hopefully on how they will be seen, perceived and read once they are no longer exhibited together and that the context of their creation (the art-science FEAT project) will have been relegated to the background if not forgotten. I wrote those texts for the online enriched video capsules documenting each work on the Leonardo/Olats website as part of the FEAT project.

All the descriptions of the artworks come from the Dundee exhibition except Ion Hole by Domnitch & Gelfand which I had seen a few months earlier at Le Lieu Unique in Nantes where it was premiered.

"Ion Hole", Evelina Domnitch & Dmitry Gelfand

« Ion Hole », Evelina Domnitch & Dmitry Gelfand

Matter Between Wonder and Seduction

Evelina Domnitch & Dmitry Gelfand, Ion Hole

In a dark room, suspended in mid-air, as if floating in weightlessness, is a circle of pulsating, colourful light particles that look like the grande finale of a firework or the burst of a star from a distant galaxy (but isn’t it the same?).

The projection is coming from a nearby box which hosts an even more fabulous and mesmerizing dispositif: a device, that we learn later is a Paul trap, looking like a jewel designed for an unknown alien creature, is maintaining in its ring tiny particules that are sparkling and vibrating like rare precious stonepowder in an explosion of joy and vitality

"Ion Hole", Evelina Domnitch & Dmitry Gelfand

« Ion Hole », Evelina Domnitch & Dmitry Gelfand

In between magic, fairy tale, cosmic dimension and fundamental physics, it is seing the infinitely small, the universe contained in nothingness.

 Ion Hole is a highly seductive light installation which is not based on understanding but on wonder. In this respect, it relates to an art-science approach and philosophy defined and promoted by The Exploratorium in San Francisco: attracting people to science through direct experiment and wonder. The hence triggered curiosity will lead then to research, to a quest for understanding; the artworks being « experiments among experiments ».

How to make quantum physics « approachable » when the minute you pronounce the term the flag « too-difficult-for-me » raises? How to make « concrete » something which is considered intensely « abstract »?

With Ion Hole, the answer of Evelina Domnitch and Dmitry Gelfand is by building upon the paradox. When quantum physics deals with matter but at an (almost) unperceptible level, the artwork shows totally observable phenomena but in a work that is (almost) objectless. Ion Hole, like many of the other artworks created by the duo, plays with this dialectic between tangibility and objectless, between cognition and emotion.

Nowadays, art being « scientific illustration » is dismissed. Although we praise it when it comes from the past, it has almost become an insult for contemporary creation in favour of a « critical approach » to science. Beyond the fact that this puts aside the whole blossoming field of visualisation and sonification and consider « science » as an undistinct global whole, I argue that this is a misunderstanding of what « illustration » really means. « Illustration » does not equal slick « image » or « drawing » or « charts ». It is the action to put in relation something with something in a sensitive order that is then presented as a realisation in another form, it is the realisation in the sensitive order of something*. In other words, it is bringing something to the perception, to the senses. And this is exactly what Ion Hole does.

Ion Hole is an artwork as scientific illustration at its best. It is a scientific experiment that has ceased to be one by the very act of having been brought out of the lab. By having no other goal but proposing itself to a direct observation/perception as opposed to (digital) measures and processes Ion Hole is a scientific experiment that has become an art experience.

* Translated from the definition of the Trésor de la langue française which also says that « illustrating » used to mean in past centuries « making famous ».


"Robots In Distress", boredomresearch (Vicky Isley & Paul Smith)

« Robots In Distress », boredomresearch (Vicky Isley & Paul Smith)

The Reason of Emotions in Non-living Entities

boredomresearch (Vicky Isley & Paul Smith), Robots In Distress

Endlessly, an underwater landscape unfolds on the screen in front of our eyes. Here and there, some metallic poles appear, remains from unknown constructions. Plastic bags and nets are litting the water floor, more and more of them. There is no life. Not a single fish, or shell or aquatic plant. Instead a noria of tiny robots, looking like alien insects that would have been hybridised with an earthian plastic bottle, are stubbornly lifting up and hopelessly falling back down. Upon rising, they emit a blinking red light contrasting with the blueish-grey color of the background environment. The whole scenary is bathed in a sepulchral sound.

Robots In Distress is an Artificial Life (or A.Life) computer-simulated world. When A.Life art emerged around the late 1980’s-early1990’s with artworks such as Karl Sims’s Panspermia (1990) or Christa Sommerer & Laurent Mignonneau Interactive Plant Growing (1992) or A-Volve (1994-95), they were, somehow, celebrating life, even if virtual or unknown ones. They were colorfull and playfull.

Thirty years later Robots In Distress expresses a strong rupture: from exploring emergent behaviours and forms of life of the early days, its focus now is on the disappearing of life, the human impact on nature and the failure of our techno-solutions. The artificial creatures (virtual robots) are less interesting by and for themselves than in so far as they reflect upon our responsability in the disappearance of real creatures, their despondency mirroring our own in elaborating answers.

Human beings have this capacity to develop empathy, even towards things, toward non-living entities, specially if those things have a some kind of motion, and even more if this motion seems to have a goal or intention. We project very easily our own intentions not only on our fellow humans but on objects as well.

In his 1994 book Descartes’ Error: Emotion, Reason, and the Human Brain, neurologist Antonio Damasio has shown that without emotions human beings are unable to perform correctly in the world, to have a ‘rational’ behaviour. Should the robots that we build have emotions then, including negative ones, to be more effective, to help us in implementing solutions? The question is left open.

What is for sure is that there is a strong feeling of melancholia in Robots In Distress, of having let the disaster to occur and left it to the robots to do the repairing. But, by their motion and behaviour, they too, show what we interpret as helplessness and hopelessness. And this is this very projection of our human emotions that (may) gives us the strength and the energy to react and take over, perhaps together with a swarm of strongly emotional depressed robots.

"Becoming a.(Thing), Špela Petrič & Miha Turšič

« Becoming a.(Thing), Špela Petrič & Miha Turšič

Finding Meaning Where There Is None …

Špela Petrič and Miha Turšič, Becoming a.(Thing)

‘Exascale supercomputing': the word in itself is in-between utterly mysterious and slightly frightening, intimidating for sure. So is the title of the artwork Becoming a.(Thing) by Špela Petrič and Miha Turšič.

Humanity landed itself on the Moon with less computer power than in the processor of our washing machines and now we find ourselves with those massive parallel computers crunching info and data like soap bubbles but needing a whole power plant to power them and a glacier to cool them. Which sense does it make?

Supercomputing is running after a fantasy which is building a computer that could be equivalent to a human brain. Of course, the result would not be an artificial human because humans have carbon-based biological bodies and think also with/through them. Which sense does it make?

How do you create art with/about supercomputer and supercomputing? For sure the machines are gorgeous and make fabulous pictures but they are not truly directly ‘useable’ in/for an art project. Petrič and Turšič’s answer presents itself as an audiovisual performative installation.

When entering the room we see a whole set of technical equipment ranging from computers, screens of all size, large video projections, microphones, cameras, some are more exotic ones such as a microscope and here and there some props like books or an ultrasound scanner. A dense mesh of cables is connecting the whole. The installation is displaying images, videos, charts, texts, lines of codes on some computer screens, a typical computer voice, etc. In short, it is something that looks familiar to a media art audience.

Slowly, as we move around, we get fascinated and captivated. The display has this seductive flavor of complex technology. However, this does not look like entertainment but serious and meaningful, both in terms of art and science. There is something to be understood.

Becoming a.(Thing) is based on the ground function of computers that is processing data. But, instead of providing the algorithms with the data they are meant to interpret, any data becomes an input to any algorithm, the output of which becomes a new input for another algorithm. Which sense does it make?

Making sense is precisely what is at the core of supercomputing and of Becoming a.(Thing), « Making sense in the (human) Animal and the Machine » to paraphrase a famous founding book of cybernetics [1].

By focusing on exhibiting processes and playing on/with absurdity, Becoming a.(Thing) puts in the forefront how we are becoming unable to understand how supercomputers are making sense of the (big) data we are feeding them with and therefore how we are loosing or might be losing our capacity to discriminate potentially wrong results and interpretations ; how, no matter what, computers are making reasonable sense from any information ; and how, anyhow we do make sense of anything. The nice thing is that even if you don’t look closer, if you don’t understand what is exactly going on in Becoming a.(Thing), it is still « working » because as an audience you will project some sense or meaning onto it.

The artists are indeed adding a layer of translation and interpretation in this meaning-making process as, in a metatheatrical way, the whole work is showing the process of semiosis itself emerging from the dance between humans and their invented non-carbon based embodied languages.

Becoming a.(Thing) is a pure exhilarating pataphysical object and finding meaning where there is none is, actually, a non-sensical meaningful process. Does it make sense? Yes.

"Make Do and Mend", Anna Dumitriu

« Make Do and Mend », Anna Dumitriu

Storytelling in Art and Science

Anna Dumitriu, Make Do and Mend

Central to Make Do and Mend, when one encounters it for the first time, is the patched suit on the mannequin followed by the toy sewing machine on its pedestal. The four framed pieces, on the wall, appear as some kind of background information, as secondary items, before revealing their content and role at a closer look.

Make Do and Mend is not a self explanatory artwork and is almost as complex to explain as the science it is using and reflecting upon. Non self explanatory artworks are common in art-science projects as well as in average (non art-science) contemporary art, but there are different ways of being so.

Make Do and Mend can be described as what I call ‘intermediary-objects’, carrying stories to be told and unfolded. It does not « stand for ». It is actual objects embodying the story lines. In other words, Make Do and Mend is a narrative spread between different artefacts.

It would be easy and a mistake to focus only on the 1941 suit, patched with the silk fabrics onto which the E. coli bacteria, repaired using the so called « molecular scissors » CRISPR/Cas9, were grown.

All the elements, echoing and mirroring each other, are equally important. In this respect, the four frames are like ‘antique tablets’ that are providing clues to decipher the work, which not only includes cutting-edge biomedical research but is also rooted in local history both from the Second World War in the UK and, more generally, in the history of Western science and is based on strong cultural references. The audience become like archaeologists ‘reading’ the history through remaining fragments that would have been over written.

Anna Dumitriu is using craft techniques, often connoted as feminine, in her artworks while working with the latest biotechnologies to address crucial contemporary issues. In Make Do and Mend, the « low-craft » aesthetics of the antique vintage elements not only refer to WWII and year 1941 but also confronts and opposes our vision of the clean-sterile-high-end lab aesthetics and the very notion of progress.

Each technique acts as a metaphor to the other to deploy the embodied enmeshed stories. In this respect, the homologous recombination technique can be compared to patching and the whole process of gene editing to craft with its meticulous steps and endless pipetting and ‘cooking’ procedures. Moreover, the clichés of ‘male-science’ and ‘female-craft’ are put upside down: science is craft.

The mending metaphor is even more powerful and the sewing machine the real key element of the piece for bringing to the forefront the ethical issues that the work carries: it is a toy which is the exact replica of the real machine. Are we like kids playing with matches when thinking of ‘repairing’ faulty genomes or our own past medical and scientific mistakes?

"Make Do and Mend", Anna Dumitriu, toy sewing machine

« Make Do and Mend », Anna Dumitriu, toy sewing machine

In the late ’90’s, when bioart emerged, one of its key elements was that the Living itself had become a medium for art, a living that had to remain alive, at least throughout the exhibition time. Formerly, many of those artworks had a ‘lab-aesthetics’ as they needed to maintain the living element alive, for instance in bio-reactors, and one of the struggles was precisely to bypass this drawback. One good example to have been successful in this respect is Eduardo Kac’s Genesis where the modified bacteria were alive but part of a larger (media) art installation.

Increasingly, due to health and safety regulations, to other kind of constraints (nobody would like the pathogenic bacteria that are in many of Anna Dumitriu’s projects to continue growing), to the expansion of speculative bioart, or to aesthetical choices, an important segment of bioart is finding its way into traditional art mediums and sometimes even out of the living matter itself. Make Do and Mend, as many of the artist’s other works, belongs to a bioart trend that I would term « non-living bioart » in that it includes ‘for real’ bio elements such as modified bacteria, but killed. The fact that it is genuine, both in its biotechnology techniques and vintage items, and for real, makes all the difference. It is neither « about », nor hypotheses. It is.


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LASER Paris – 7 décembre 2017

Dernière rencontre LASER Paris de l’année 2017, avec au programme :

> « Atmosphère, … » : HeHe (artistes) et Jean-Marc Chomaz (artiste physicien, directeur de recherche CNRS, professeur à l’École Polytechnique), autour du projet « Absynth » (projet soutenu par La Diagonale Paris-Saclay).

> « Habiter sous la mer » : Nicolas Floc’h (artiste), autour de ses projets artistiques de récifs artificiels et de sa résidence à bord de TARA Pacific au printemps dernier.

Jean-François Sanz, directeur artistique du fonds de dotation agnès b. présente l'exposition "A mon seul désir - 20 ans de Mauvais Genres chez agnès b."

Jean-François Sanz, directeur artistique du fonds de dotation agnès b. présente l’exposition « A mon seul désir – 20 ans de Mauvais Genres chez agnès b. »


Pauline Dorkel présente La Diagonale Paris-Saclay

Pauline Dorkel présente La Diagonale Paris-Saclay


Heiko Hansen, du duo HeHe

Heiko Hansen, du duo HeHe

Heiko Hansen, du duo HeHe

Heiko Hansen, du duo HeHe


Jean-Marc Chomaz et Heiko Hansen du duo HeHe

Jean-Marc Chomaz et Heiko Hansen du duo HeHe

Jean-Marc Chomaz et Heiko Hansen du duo HeHe

Jean-Marc Chomaz et Heiko Hansen du duo HeHe


Annick Bureaud présente Nicolas Floc'h

Annick Bureaud présente Nicolas Floc’h

Nicolas Floc'h

Nicolas Floc’h

Séance de questions

Séance de questions











'Open Mic' avec Jean-Marc Lévy-Leblond

‘Open Mic’ avec Jean-Marc Lévy-Leblond

'Open Mic' avec Gaspard Bébié Valérian

‘Open Mic’ avec Gaspard Bébié Valérian

'Open Mic' avec Sophie Lavaud

‘Open Mic’ avec Sophie Lavaud








Images aimablement et gracieusement prises par Florian Houssais

Les rencontres LASER / Leonardo Art-Science Evening Rendezvous sont un projet de Leonardo/ISAST.

LASER Paris est co-organisé par Leonardo/Olats, La Diagonale Paris-Saclay et le fonds de dotation agnès b.


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« Trust Me, I’m An Artist », fin et suite

Trust Me, I’m An Artist, c’est fini. Trois ans plus tard, je mesure le chemin (que j’ai) parcouru.

La dernière performance, DNA Ancestry Testing par Larry Achaimpong et David Blandy, aura eu lieu aujourd’hui, à Londres, organisée par Arts Catalyst. Je ne l’aurai pas vue car ce jour même j’organisais une rencontre LASER à Paris.

Trust Me, I’m An Artist s’est terminé pour moi les 16 et 17 novembre 2017, à Amsterdam avec la performance de Maja Smrekar et le symposium final organisé par la Waag Society.

Maja Smrekar et Ada, 16 novembre 2017, Waag Society, Amsterdam. Photo A. Bureaud

Maja Smrekar et Ada, 16 novembre 2017, Waag Society, Amsterdam. Photo A. Bureaud

Comité d'éthique, 16 novembre 2017 Waag Society, Amsterdam Photo : A. Bureaud

Comité d’éthique, 16 novembre 2017
Waag Society, Amsterdam
Photo : A. Bureaud

J’ai écrit un article, il y a un an, pour la revue Leonardo, tentant une première synthèse de mes réflexions. Aujourd’hui, il va s’agir plutôt de quelques remarques issues des présentations et des discussions lors des panels à Amsterdam.

L’éthique peut-elle être une pratique artistique ?

Cette question était l’une des quatre qui ont structuré la journée.

Il me semble qu’il faut ici distinguer entre deux types d’œuvres : d’une part celles qui incluent, pour leur réalisation même, une question éthique et d’autre part celles qui traitent d’une question éthique sans toutefois présenter un quelconque problème éthique dans leur mise en œuvre, la différence entre le discours et la pratique en quelque sorte. La différence aussi entre un bioart qui s’inscrit de facto dans le vivant, qui utilise le vivant comme médium et le bioart spéculatif qui invente des scénarii mais dont les médiums restent ceux classiques de l’art et qui, en fin de compte, s’inscrit dans la logique de la représentation. La différence enfin entre ce qu’il est possible de faire sans laboratoire professionnel et ce qui nécessite une institution de recherche, cette dernière ayant des règles qu’il convient de suivre quand le studio de l’artiste n’a que celles qu’il/elle se donne.

Je ne pense pas que l’éthique, en soi, puisse être une pratique artistique sauf à rester dans le spéculatif ou à entrer dans le risque d’une surenchère de projets extrêmes et spectaculaires, dans une transgression pour la transgression.

La place de l’institution

Une deuxième table ronde avait pour sujet « Institutions éthiques ou éthique institutionnalisée ».

Jurij Krpan, 17 novembre 2017 Waag Society Amsterdam Photo : A. Bureaud

Jurij Krpan, 17 novembre 2017
Waag Society Amsterdam
Photo : A. Bureaud

Pour Jurij Krpan de la Galerie Kapelica, les artistes n’ont pas à justifier un projet devant un comité d’éthique. En revanche les commissaires et les institutions artistiques et culturelles ont besoin de comités d’éthique pour les aider à présenter les œuvres, pour les aider à apporter des réponses qui ne soient pas que techniques (autorisé – interdit).

J’ai trouvé cette approche très intéressante. Trust Me, I’m An Artist est construit sur le modèle scientifique dans lequel les projets de recherche des scientifiques sont soumis à des comités d’éthique. Il met en scène la situation où des artistes doivent également, pour la réalisation de leurs œuvres, soumettre leur projet devant ces mêmes comités. Cependant, les scientifiques ne proposent pas leur dossier « individuellement » mais bien avec leur institution, leur laboratoire. Le format de Trust Me dans ce contexte me semble à reformuler : les artistes devraient se présenter conjointement avec le/la commissaire et l’institution culturelle qui les soutiennent. Cela aurait été  particulièrement pertinent pour cette édition car les artistes avaient été proposés, choisis par les partenaires du projet. Il serait intéressant de voir si le fait qu’un artiste est soutenu par une institution culturelle qui apporte sa caution, son argumentaire et sa validation artistique peut avoir un quelconque impact sur le regard porté par un comité d’éthique.


Prise de risques et liberté de l’artiste

Dans les riches échanges de cette journée, la singularité et la liberté de l’artiste ont fait entendre leur petite musique, motif récurrent qui allait et revenait au cours des discussions.

J’avoue avoir quelques difficultés à comprendre pourquoi l’artiste parce qu’il est artiste aurait une attitude sociale et sociétale plus responsable que les scientifiques ou ses concitoyens, serait un être nécessairement équilibré, juste et bon et exempt des erreurs que le commun des mortels commet un jour ou l’autre. Les protocoles ont précisément été établis pour cela, pour border les erreurs et oublis que chacun peut commettre en toute bonne foi. L’éthique, dans la recherche scientifique apparaît comme un ensemble de règles destinées à protéger tout à la fois la société et le scientifique des dérives et des pressions. Ce qui fut intéressant pour moi fut de voir resurgir en filigrane, la dualité/dialectique entre responsabilité collective et liberté individuelle. Il ressort, du moins est-ce ainsi que je l’ai interprété, que le scientifique agit « au nom de tous », au nom de et pour la société dans son ensemble et, à ce titre, est légitiment soumis à des règles d’éthique portées par cette même société. En revanche, l’artiste parle en son nom et conserve sa liberté individuelle dont celle de transgresser les règles édictées. Vieux débat, non résolu. D’autant moins résolu que la question posée est bien la liberté individuelle de l’artiste quand il travaille au sein d’un laboratoire scientifique : peut-il, doit-il se fondre alors dans les règles qui régissent le collectif ?

Le public de "Trust Me, I'm An Artist" dans le Theatrum Anatomicum Waag Society, Amsterdam, Novembre 2017 Photo : A. Bureaud

Le public de « Trust Me, I’m An Artist » dans le Theatrum Anatomicum
Waag Society, Amsterdam, Novembre 2017
Photo : A. Bureaud


Trust Me, I’m An Artist, une performance artistique

Trust Me, I’m An Artist est une meta-œuvre. En effet, il s’agit d’une performance à propos d’une œuvre. À partir de l’instant où l’artiste présente en public devant un comité d’éthique et où celui-ci délibère également en public, nous sommes dans le registre de la représentation et de la mise en scène.

Dans l’ensemble des sessions auxquelles j’ai assistées, deux ont clairement souligné cette ambiguïté-dualité du projet. Kira O’Reilly et Jennifer Willet à Amsterdam ont totalement détourné le format en ignorant le comité d’éthique pour de facto faire une performance. Lors d’une édition précédente, j’avais organisé une session à Paris avec Art Orienté objet et le projet de transfusion de sang de panda sur le modèle déjà réalisé avec le sang de cheval. Cette fois, ce fut le comité lui-même qui, reconnaissant l’artificialité du processus et sa mise en scène, refusa de se prononcer et de faire les recommandations attendues.

Trust Me, I’m An Artist peut être appréhendé comme un espace où l’on peut débattre de l’éthique dans l’art tout en étant une œuvre —un spectacle, une performance.

À cet égard, c’est peut-être une forme de réponse positive à la question « l’éthique peut-elle être une pratique artistique » .

Au-delà du bioart

Trust Me, I’m An Artist a porté sur des œuvres dans le champ du bioart. D’autres domaines et d’autres créations soulèvent aussi des questions éthiques (intelligence artificielle, traitement des big data, surveillance technologique pour n’en citer que quelques uns parmi les plus discutés aujourd’hui) mais aussi utilisation de matériaux dangereux ou potentiellement dangereux comme dans Open Care d’Erich Berger et Mari Keto avec la radioactivité. Autant de thèmes et de pistes pour élargir le débat, pour une suite possible (et désirée …).

"Intérieur hollandais", Waag Society, Amsterdam Photo A. Bureaud

« Intérieur hollandais », Waag Society, Amsterdam
Photo A. Bureaud

"Intérieur hollandais", Waag Society, Amsterdam Photo A. Bureaud

« Intérieur hollandais », Waag Society, Amsterdam
Photo A. Bureaud

Ici se termine ce Journal de bord.

Le projet « Trust Me, I’m An Artist » a été soutenu par le programme Creative Europe de l’Union Européenne.


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Exposer l’éthique

Leonardo/Olats est partenaire du projet européen Trust Me, I’m An Artist. Dans ce cadre, je tiens un « Journal de Bord » avec des compte-rendus des réunions et des rencontres, mais aussi mes réflexions, lectures et interrogations.

Dans le Thalys pour Amsterdam, direction la Waag Society pour le symposium final du projet Trust Me, I’m an Artist et la performance de Maja Smrekar à propos de son projet Ecce Canis – K9 Topology.

Il y a exactement six mois que j’étais dans ce même train pour aller assister à la performance de Kira O’Reilly et Jennifer Willet  et voir l’exposition des œuvres créées dans le cadre de cette édition de Trust Me, I’m an Artist . Six mois sans trouver le temps pour écrire sur cette exposition alors qu’elle m’a bluffée. Les projets européens ont entre autres vocations celle de favoriser la « mobilité », profitons donc, littéralement, de celle-ci pour parler de l’exposition qui s’est tenue à Amsterdam du 13 mai au 25 juin 2017.

D’une façon générale, les expositions documentaires m’ennuient. Je leur préfère une publication bien faite où je peux lire des textes ou examiner des documents confortablement assise. La plupart des projets de cette édition de Trust Me, I’m An Artist était des performances, je me préparais donc à être polie envers mes partenaires et les artistes.

L’exposition se tenait dans la Het Glazen Huis de l’Amstelpark d’Amsterdam. Comme son nom l’indique, la « Het Glazen Huis » est un petit bâtiment dont tous les murs sont en verre. Posé dans un délicieux jardin, il permet ainsi une perspective sur la végétation environnante mais engendre une contrainte supplémentaire pour une exposition artistique.

01-Het GLazenHuis


Dans ce contexte difficile, il s’est produit un petit miracle (largement dû à la compétence de Miha Tursič) et le résultat a été passionnant.

L’exposition s’est appuyée sur le jeu de la transparence entre le dedans et le dehors notamment pour les œuvres de Kira O’Reilly & Jennifer Willet et de Spela Petrič. La terre pailletée surmontée de plumes vertes d’O’Reilly et Willet semblait dialoguer avec la plante qui poussait de l’autre côté de la vitre tandis que la photo en très grand format de l’ombre portée de Petrič sur le cresson faisait écho à la pelouse tout autour.

Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Be-wildering (photo A. Bureaud)

Kira O’Reilly & Jennifer Willet, Be-wildering
(photo A. Bureaud)

Spela Petrič, Skotopoeisis (photo A. Bureaud)

Spela Petrič, Skotopoeisis
(photo A. Bureaud)

Dans le seul endroit fermé du bâtiment étaient réunis les les éléments témoignant de la performance de Martin O’Brien : sur le mur du fond, une très grande projection de la captation de la performance (qui dura 3 heures), sur un autre mur, une série de petits écrans diffusaient des vidéos de la performance prises sous d’autres angles et enfin, sur une table, les objets utilisés par l’artiste au cours de celle-ci.  Cette salle, par sa fermeture et son obscurité, contrastait avec le reste de la galerie ouverte et baignée de lumière. On y pénétrait comme dans une crypte ou comme dans la structure en plastique semi-transparent que O’Brien avait érigée à Londres et qui enfermait le spectateur dans l’espace-temps de l’artiste.

Martin O’Brien,  Taste of Flesh, Bite Me, I'm Yours (photo A. Bureaud)

Martin O’Brien,
Taste of Flesh, Bite Me, I’m Yours (photo A. Bureaud)

La documentation de Heirloom de Gina Czarnecki & John Hunt était éclatée sur plusieurs petits moniteurs traduisant ainsi, d’une certaine manière, les divers aspects de l’installation.

Gina Czarnecki & John Hunt, Heirloom (photo A. Bureaud)

Gina Czarnecki & John Hunt, Heirloom (photo A. Bureaud)

Outre ces objets-documents, l’exposition incluait des objets-œuvres avec Controlled Commodity: Make Do and Mend d’Anna Dumitriu, des « objets-potentiels » avec Cellular Propeller d’Howard Boland ou fictionnels avec Open Care d’Erich Berger et Mari Keto.

Anna Dumitriu, Controlled Commodity: Make Do and Mend (photo A. Bureaud)

Anna Dumitriu, Controlled Commodity: Make Do and Mend (photo A. Bureaud)

Howard Boland, Cellular Propeller (photo A. Bureaud)

Howard Boland, Cellular Propeller (photo A. Bureaud)

Open Care est un ensemble d’artefacts déployant une fiction spéculative dans laquelle il est imaginé que les déchets nucléaires deviennent une responsabilité individuelle et sont transmis en héritage de générations en générations. Un mode d’emploi permet d’évaluer leur niveau de dangerosité (le niveau de radioactivité) et si l’on doit (ainsi que ses descendants) continuer à s’en (pré)occuper. Portant sur la radioactivité, cette œuvre s’écartait du propos de Trust Me, I’m An Artist centré sur le bioart pour ouvrir à d’autres questions éthiques soulevées dans et par la création artistique.

Erich Berger et Mari Keto, Open Care (photo A. Bureaud)

Erich Berger et Mari Keto, Open Care (photo A. Bureaud)

L’exposition Trust Me, I’m An Artist a non seulement proposé une expérience esthétique et sensible des œuvres et tout particulièrement des performances mais elle a aussi réussi à « exposer » les questions éthiques qu’elles abordent sans tomber dans le didactisme.

Le projet « Trust Me, I’m An Artist » a été soutenu par le programme Creative Europe de l’Union Européenne.


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« The Line », eteam, Whitney Artport

"The Line", eteam

« The Line », eteam

Cela faisait longtemps que je n’avais pas regardé du Net Art (ou de l’art sur le Net, que faut-il dire aujourd’hui ?). Ce soir, l’annonce de l’Artport, le portail du Whitney Museum pour l’art en ligne, créé en 2001, a attiré mon attention.

The Line est une œuvre du duo d’artistes eteam (Hajoe Moderegger and Franziska Lamprecht). Il s’agit simplement de personnes en images de synthèse qui font la queue. On ne sait pas pourquoi, on ne sait pas qui ils sont. La caméra virtuelle remonte la file, lentement, très lentement. Certains pianotent sur des ordiphones invisibles, tous bougent d’un pied sur l’autre, d’une hanche sur l’autre, s’étirent, comme lorsque l’on attend longtemps, très longtemps. Quand on relance le projet, après quelques minutes, ce ne sont plus les mêmes personnes qui sont là.

Cette simplicité fascine. Littéralement. On est happé par l’écran. On les observe comme dans un miroir. C’est nous qui attendons, là, entre la fatigue et l’ennui. C’est nous qui sortons l’ordiphone de nos poches, pour faire passer le temps —pour regarder d’autres personnes qui attendent et qui, pour combattre l’ennui postent des images de nourriture ou de chats.

A regarder dans une file d’attente, sur son téléphone portable …

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LASER Paris – 21 septembre 2017

Et de trois pour les Rencontres LASER Paris chez agnès b.  !

Au programme

> Cécile Beau (artiste) et Anthony Hildenbrand (chercheur en géosciences au laboratoire GEOPS / Géosciences Paris-Sud, UPSud, CNRS // « L’Âge de la pierre » autour du projet « Particules » (projet soutenu par La Diagonale Paris-Saclay).

Annick Bureaud présente Anthony Hildenbrand et Cécile Beau

Annick Bureaud présente Anthony Hildenbrand et Cécile Beau

"Particules", Cécile Beau & Anthony Hildenbrand (image Angélique Gilson)

« Particules », Cécile Beau & Anthony Hildenbrand (image Angélique Gilson)

Anthony Hildenbrand, un  chercheur emporté par son sujet ...

Anthony Hildenbrand, un chercheur emporté par son sujet …

Cécile Beau

Cécile Beau














> Véronique Béland (artiste) // « La voix de l’univers » autour du projet « This is Major Tom to Ground Countrol« .

"This is Major Tom to Ground Control", Véronique Béland

« This is Major Tom to Ground Control », Véronique Béland

Véronique Béland

Véronique Béland










> Christian Jacquemin (enseignant-chercheur en informatique, LIMSI/Laboratoire d’informatique pour la mécanique et les sciences de l’ingénieur – CNRS, UPSud) et Benoît Lahoz (artiste) // « L’algorithme entre ombre et lumière » autour du projet « Toute la lumière sur l’ombre ».

- Lecture appliquée par Annick Bureaud des biographies fusionnées de Christian Jacquemin et Benoît Lahoz

Lecture appliquée par Annick Bureaud des biographies fusionnées de Christian Jacquemin et Benoît Lahoz

"Toute la lumière sur l'ombre", Lahoz-Jacquemin (photo Dominique Chauvin)

« Toute la lumière sur l’ombre », Lahoz-Jacquemin (photo Dominique Chauvin)









Les rencontres LASER / Leonardo Art-Science Evening Rendezvous sont un projet de Leonardo/ISAST. Sur le modèle du « salon de conversation », artistes et scientifiques présentent leurs recherches et leurs projets dans un format où la discussion et la rencontre avec le public sont privilégiées.

La relation art-science a pris depuis quelques années une nouvelle ampleur et recouvre des pratiques, des thématiques et des approches très diverses, sinon opposées. LASER Paris entend explorer les différentes modalités de ces créations et recherches pour constituer un lieu de réflexion et d’échange et offrir des opportunités de rencontres professionnelles entre les acteurs.

Lors de chaque rencontre, des artistes et des scientifiques présentent leurs travaux. Un de ces « duos » est issu des projets soutenus par La Diagonale Paris-Saclay. En outre, en 2017, la thématique de l’anthropocène a été retenue comme fil rouge : à chaque rencontre au moins un des participants sera un artiste ou un scientifique dont le travail ou la recherche porte sur ce thème. Et, selon la formule des rencontres LASER, le public aura son mot à dire non seulement dans les débats autour des projets mais également par un temps dédié à ses annonces et les discussions ouvertes à l’issue des présentations.

Leonardo/Olats (www.olats.org), La Diagonale Paris-Saclay (http://www.ladiagonale-paris-saclay.fr) et Le Fonds de dotation agnès b. (http://www.fondsagnesb.co/)

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